Après le succès de son premier film, Nouveau, Rudi Rosenberg présentait son deuxième long-métrage, Quelques mots d’amour, dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes.

Située à Sarcelles à la moitié des années 1990, cette chronique familiale aussi drôle que poignante suit la quête d’une adolescente prête à tout pour retrouver un père qui ne l’a jamais reconnue, épaulée malgré elle par une mère protectrice incarnée par Hafsia Herzi. De passage au festival Cinemania, le réalisateur s’est confié sur son travail avec les jeunes comédiens amateurs, son équilibre entre rire et mélodrame, et la fin d’un cycle autour de l’adolescence.

En 2011, tu confiais en interview que les adolescents arrivaient à faire basculer la fiction vers le documentaire tant leur présence est vraie. C’est exactement ce que l’on ressent dès les premières minutes de Quelques mots d’amour. Est-ce un effet que tu cherches délibérément à provoquer par la mise en scène, ou cela s’impose-t-il naturellement ?

J’aime l’approche naturaliste.

Pour ce film en particulier, je me disais que l’émotion fonctionnerait beaucoup mieux si l’on restait au plus près du réel. J’ai essayé de coller à cette vérité grâce aux acteurs. Les enfants ont une capacité de jeu unique : pour moi, ce sont les meilleurs comédiens parce qu’ils jouent sans se poser de questions. Dans une cour d’école, ils incarnent déjà des rôles toute la journée. C’est une mécanique complètement instinctive chez eux.

Tu as souvent répété que tu refusais d’assommer les jeunes acteurs avec des explications psychologiques. Sur un sujet aussi délicat que l’abandon paternel, comment les as-tu guidés sur le plateau ?

On avançait scène par scène. J’établissais rapidement les enjeux : ce qui venait de se passer juste avant, ce qui allait suivre. Nous avions également une coach pour les aider et les préparer en amont. Je leur résumais la situation en deux mots, mais ils faisaient les choses très spontanément. Il n’y avait pas de construction psychologique lourde derrière. Parfois, la consigne c’était simplement : « amuse-toi avec le chien, ça va venir tout seul ». Je cherche toujours à rester le plus simple possible pour préserver leur liberté et permettre à ceux qui le souhaitent d’improviser.

Percevaient-ils le poids dramatique de ce qu’ils traversaient à l’écran ?

Ça dépendait vraiment des tempéraments. Mais pour certains, le simple fait d’être choisis pour un film, de venir tourner à Paris, de se sentir valorisés, a provoqué un vrai déclic. Je pense notamment à Mateo, qui joue Yoni adolescent : cette expérience lui a donné une immense confiance en lui, il a grandi à travers ce rôle. Pour d’autres, c’était vécu de façon plus légère et amusante, comme Brigitte, qui est retraitée, qui n’avait jamais fait de cinéma de sa vie et qui s’est retrouvée sur les marches à Cannes. C’est magique.

Pour le rôle de la mère, comment ton choix s’est-il porté sur Hafsia Herzi ? Avais-tu écrit en pensant à elle ?

Pas au départ.

Au tout début de l’écriture, j’envisageais un casting exclusivement composé de non-professionnels. Hafsia est arrivée plus tard dans le processus, au moment du montage financier. Et ça a été une évidence formidable pour le projet.

Face à elle, pourquoi avoir tenu à choisir des jeunes comédiens issus d’un casting sauvage à Sarcelles ?

C’était primordial pour moi d’impliquer les habitants de Sarcelles. Nous allions nous installer dans leurs quartiers pendant deux mois ; je voulais que le film s’imprègne de leur authenticité. Il y a une ambiance et des personnalités incroyables là-bas. Et puis, à cet âge, les enfants sont rarement des acteurs de métier de toute façon. J’aurais pu travailler avec des jeunes ayant déjà tourné, ça ne m’aurait pas dérangé, mais je cherchais avant tout des correspondances précises : une ressemblance, un regard, un âge juste. À cette période de la vie, à six mois près, un enfant peut subitement paraître trop vieux.

Comment Hafsia s’est-elle adaptée au tempo de jeu de ces jeunes non-professionnels ?

Elle a été très à l’écoute. Après, la réalité d’un tournage avec des mineurs impose des contraintes légales très strictes : leurs horaires de travail sont très limités. Dans les champs-contrechamps, il arrivait fréquemment qu’Hafsia doive donner la réplique à des doublures lorsque le temps des enfants était écoulé. Elle s’est emparée de son personnage avec beaucoup de liberté, pendant que je me concentrais sur la direction des plus jeunes.

Tu dis avoir mis beaucoup de toi dans ce film. Pourquoi ne pas avoir raconté ta propre histoire ?

Parce que c’est cette quête précise du géniteur qui m’a touché au départ. J’étais tombé sur YouTube sur le témoignage d’une jeune fille partie à la recherche de son père biologique. J’en ai visionné d’autres, et j’ai senti qu’il y avait là une matière dramatique très forte. La part personnelle que j’y injecte se situe ailleurs : dans la dynamique fraternelle, dans l’amour maternel, et dans l’humour. Cet humour du quotidien, c’est exactement celui de ma propre famille. Ce sont des touches qui m’appartiennent, mais la trajectoire intime de cette adolescente est la sienne.

L’humour et les gaffes du quotidien semblent d’ailleurs désamorcer constamment le mélodrame. Comment dose-t-on cet équilibre à l’écriture ?

L’histoire de base est très dure, très injuste. Cette gamine est livrée à elle-même dans son obsession. En écoutant ces témoignages réels, j’étais bouleversé. Il fallait impérativement contrebalancer cette noirceur, raconter aussi cet amour maternel puissant, même quand il semble invisible, pour que le public ressorte de la salle avec de la douceur. Je mets toujours de l’humour dans mes films. Face aux épreuves de la vie, le rire est souvent le seul rempart qu’il nous reste. Je serais incapable de réaliser un drame au premier degré absolu.

 Le petit frère, Yoni, est particulièrement solaire et hilarant. L’avais-tu conçu dès le scénario comme ce contrepoids comique ?

Oui, il y avait plusieurs personnages pensés pour apporter cette respiration : le petit frère, le psychiatre, ou encore le personnage de Brigitte. Il y a aussi toutes ces scènes un peu cocasses où la mère tente d’asseoir une autorité maladroite. Sur le papier, les scènes étaient très hautes en couleur, très drôles. Quand Hafsia est arrivée, elle a apporté une tonalité plus nuancée, plus sensible, qui a enrichi l’ensemble.

Quant à Yoni, il a touché énormément de monde. Il est d’ailleurs invité prochainement en France sur le plateau de l’émission Ça commence aujourd’hui pour un portrait. Sa famille est venue de Roumanie ; ils sont partis de rien et se sont battus avec une dignité et une politesse remarquables. Mateo était le petit chouchou de toute l’équipe sur le plateau.

Tes personnages secondaires — du psychiatre aux anciens propriétaires de Vanille — possèdent une épaisseur immédiate, même lorsqu’ils ne restent que quelques minutes à l’écran. Quel est ton secret pour leur donner une telle consistance?

On me reproche parfois de faire des films de personnages au détriment de l’intrigue classique, mais c’est ma priorité absolue. Mon secret, c’est de m’ancrer dans le concret en m’inspirant directement de gens réels. Il y a beaucoup de moi quand j’étais gamin dans Yoni, il y a des traits de ma propre mère dans le personnage d’Erika, et la jeune fille est nourrie de ces témoignages que j’ai récoltés. Quand le point de départ est profondément incarné, le personnage prend vie instantanément.

D’Aglaée au Nouveau, et maintenant avec Quelques mots d’amour, tu as énormément exploré l’adolescence. As-tu le sentiment d’en avoir fait le tour ?

Oui, je crois que j’en ai fait le tour.

J’ai enfin atteint l’âge adulte ! (rires) Mon prochain long-métrage, que je suis en train d’écrire, ne met en scène que des adultes, aucun enfant. J’ai besoin de laisser reposer cette thématique. D’autant que tourner avec des enfants demande une énergie colossale : les castings sont interminables, la réglementation est extrêmement stricte et le temps sur le plateau est compté. Il y a une part d’improvisation dans leur jeu, mais toute la logistique autour doit être réglée au millimètre près.

Qu’est-ce que l’adolescence te permettait d’exprimer que le monde adulte interdit ?

C’est la vulnérabilité absolue propre à cet âge-là. L’adolescence est une période de fragilité où l’on est en pleine construction. On a un besoin viscéral d’être regardé par ses parents pour acquérir de la confiance en soi. Être aimé, c’est formidable, mais se sentir ne serait-ce que regardé et reconnu, c’est déjà essentiel. C’est précisément ce qui manque au personnage d’Abigaëlle. Se construire seule, tout en étant en conflit ouvert avec sa mère, crée une injustice poignante. C’est cette fragilité brute qui me bouleverse à cet âge.

Pour finir : qu’as-tu ressenti en présentant ce film au Festival de Cannes ?

C’était mon tout premier Festival de Cannes, et c’était profondément émouvant. Mais le plus beau restait de voir les yeux des comédiens : ils étaient tous émerveillés par ce qui leur arrivait. Vivre cette reconnaissance et ces retours du public avec eux a rendu ce moment véritablement magique.